«БРИЛЛИАНТ ДЕСЯТИ СИЛ»
11 ОКТЯБРЯ — 10 НОЯБРЯ
Искусство России и Японии: Суми-э, Жостово, Укиё-э, Федоскино, Живопись, Графика.
Мастер-классы по суми-э, каллиграфии, икэбане, оригами
Организаторы: Администрация Мытищинского района, Управление культуры Мытищинского района, Мытищинская районная картинная галерея, Отдел японской культуры «Japan Foundation».
При поддержке:
ООО «Группа «Теплолюкс»
Компании «СИЛМ Ко., Лтд»
Участники:
Тоун Кобаяси, Минако Ота, Кейко Кобаяси,Каори Исидзима
Марина Домникова, Михаил Лебедев, Нина Гончарова, Лариса Гончарова, Татьяна Шолохова, Александр Федоров, Вячеслав Летков, Татьяна Дмитриева, Татьяна Федорова, Олег Шапкин.
Выставочный проект представляет искусство России и Японии, объединенное презентацией книги Кэндзи Миядзава «Бриллиант десяти сил». Благодаря поддержке Отдела японской культуры «Japan Foundation», проект вошел в программу фестиваля «Японская осень». Он показывает не только единство разных культур, но и то, как традиционное искусство двух стран может, сохраняя свои истоки, продолжать развиваться, дополнять и учиться друг у друга. Используя знания старых мастеров, современные художники создают новые работы, внося свое видение, будь то жостовский поднос или живопись суми-э.
Идея этого проекта возникла благодаря книге известного японского писателя–сказочника Кэндзи Миядзава «Бриллиант десяти сил», которую перевела на русский язык и издала Оксана Штык. Она предложила жостовскому художнику Марине Домниковой создать иллюстрации к сказке. В результате на свет появились четыре удивительных подноса, и волшебная японская сказка заиграла яркими красками. Лаконичная, тонкая, нежная японская философия, выраженная в сказке Кэндзи Миядзавы, и русское искусство — яркое, сочное, пылающее красками Жостово — объединились в гармонии и дополнили друг друга.
В жостовской живописи и в суми-э есть много общего: отсутствие образцов-эскизов, артистизм, виртуозное владение кистью, глубокое знание художественных традиций и приемов письма, желание передать зрителю собственное мироощущение, рассказать на языке живописи о духовной красоте мира.
Старейшие лаковые промыслы Подмосковья – Федоскино и Жостово развивались в одном художественном русле, но работы федоскинских мастеров отличаются значительно более богатыми возможностями для тем и сюжетов. Красочные пейзажи, воспевая родной край, перекликаются с тонкими, монохромными изображениями природы на картинах суми-э. Поэтика жанра укиё-э и федоскинского промысла родилась из сюжетов, понятных обывателю. Особое видение мастеров, умение придать одухотворенность образам и пейзажам возвысили тематику этих жанров
Китагава Утамаро. Укиё-э
Укиё-э — жанр гравюры по дереву, появившийся в Японии в XVII веке. Его расцвет пришелся на середину XVIII века и продолжался до первой трети XIX. Понятие «укиё-э» тесно связано с буддийским мировоззрением, обозначающим бренность мира. В XV веке оно получило светскую интерпретацию, его стали понимать как «повседневную обыденность». В XVII веке под «укиё-э» подразумевали мир
развлечений и удовольствий, которые могли получить горожане в «весёлых
кварталах». Не случайно основным видом изобразительного искусства
периода Эдо стала цветная гравюра на дереве – искусство массовое,
репродуцируемое и пользующееся наибольшей популярностью. Укиё-э следовали тематике, излюбленной городскими жителями.
Китагава Утамаро, во многом определивший черты японской классической гравюры периода ее расцвета в конце ХVIII века, внес новшества в технику ксилографии и обогатил цветовую палитру японской гравюры, выявив множество важных черт в поведении и эмоциях человека. Утамаро нашел свою манеру исполнения, которая вскоре принесла ему славу лучшего художника Японии. Его излюбленным жанром было изображение красавиц (бидзин-га). С 1789 по 1800 год он написал едва ли не всех красивых девушек, каких только можно было встретить в Эдо. Почти у каждой из них один и тот же овал лица, очертания носа, разрез глаз. Все они мягки и спокойны.
Изображая ама — девушек-ныряльщиц за жемчугом, Утамаро романтизировал их нелегкий труд. Ама погружаются в море на глубину 15—20 метров с помощью тяжелого груза и достают со дна жемчужные раковины, моллюски и водоросли. При помощи плавных, текучих линий художник создал прекрасные, идеализированные образы красавиц с изящным фигурами, гибкими движениями и утонченными чертами лица.
Долгие годы Утамаро подражали другие художники, его гравюры перепечатывались, с них делали копии. Оттиски гравюр заменили дорогую живопись в семейных интерьерах горожан разного достатка.
Тоун Кобаяси. Суми-э
Тоун Кобаяси с детства обучался каллиграфии у своей матери, которая преподавала этот вид искусства. В возрасте 15 лет у него проснулся интерес к китайской живописи суйбоку-га (суми-э). Он много раз бывал в Китае, где познакомился с искусством художников, каллиграфов, резчиков по дереву и был потрясен уровнем их исполнительского мастерства. В 1987 году в Париже Кобаяси впервые принял участие в росписи стены на «Выставке искусств Японии». Затем последовали приглашения в Китай, Индонезию и США. И везде художник неизменно завоевывал признание зрителей.
В 1992 году Тоун Кобаяси стал участником «Каллиграфической выставки одного человека» в Музее китайской истории в Пекине, посвященной 20-летию китайско-японской дружбы. Позднее, развивая тему китайской живописи, он разрисовывает стены храмов синтоистского и буддийского пантеона. Помимо обучающих программ в интернете Тоун Кобаяси создает фильм «Гиганты китайской живописи». Он является исследователем новых направлений в живописи и одновременно представителем старой школы «суйбоку», пропагандистом её достижений за рубежом.
Искусство Тоуна Кобаяси – суми-э — это философия контраста и гармонии. Смысл его творчества — в умении лаконично запечатлеть окружающую действительность такой, какой она представляется в воображении художника. Для него очень важен сам процесс создания работы, ведь суми-э – искусство импровизации, своего рода медитация, во время которой происходит обретение спокойствия и душевного равновесия. Монохромная живопись Тоуна Кобаяси отличается слиянием образности и духовных традиций. Мастер трепетно относится к материалу, который он использует. Бумага, тушь и кисть – не просто инструменты для создания изображения, но еще и важная философская составляющая внутреннего смысла картины. Такое удивительное отношение художника к материалу является особенностью живописной школы суми-э, самой сутью японской культуры.
Федоскино
Искусство лаковой живописи возникло в Китае более четырех тысяч лет назад. В средние века японские мастера с успехом переняли его и создали немало уникальных и удивительных изделий из лака, получивших широкую известность во всем мире. В Японии искусство лаковой живописи достигло наивысшего расцвета и стало видом национального художественного творчества.
В России лаковая миниатюра получила свое развитие в селе Федоскино в начале XIX века. Характерный стиль федоскинской миниатюрной живописи с изображением пейзажей, народных гуляний, катаний на тройках всегда отличался высоким уровнем исполнительского мастерства. Сегодня Федоскино – один из крупнейших и прославленных центров русской лаковой миниатюры. Оно сохранило не только традиционные приемы миниатюрной живописи, но и ее образность и декоративную самобытность Художники Федоскина продолжают славную историю старинного промысла, создают новые, замечательные произведения искусства.
Жостово
Почти 200 лет живет и развивается искусство Жостовской росписи. Уже давно жостовские подносы из утилитарного предмета быта стали подлинными художественными произведениями и национальным достоянием России.
Жостовская живопись представляет собой значительное и оригинальное явление в русском декоративно-прикладном искусстве и художественной культуре. Это – один из самых жизнерадостных видов русского народного прикладного искусства. Жостовская роспись, так же как и Федоскинская миниатюра, представляет собой слияние народной традиции с профессиональным искусством, единство стиля в многообразии почерков.
Традиционной особенностью росписи жостовских подносов является не только уникальный, фирменный «мазок», но и импровизационное исполнение каждой отдельной композиции. Художник пишет не с натуры или по эскизам, а исключительно по воображению, ориентируясь на композиционные приемы, найденные и отработанные мастерами предыдущих поколений.
Искусство жостовского письма обогатилось опытом профессиональной живописи, но при этом фантазия художника никогда не ограничивалась. Мастера продолжают импровизировать, придумывать новые сюжеты, искать новые творческие решения.
Минако Ота
Стиль живописи Минако Ота хорошо узнаваем. В ее манере угадывается жизненный опыт художника, впитавшего национальные традиции своей родины и стран, в которых она жила и училась. После окончания курса в Токийском художественном университете Минако изучала искусство реставрации в США, работала в Великобритании и России. Ее работы загадочны и удивительно поэтичны. В них четко прослеживается стремление объединить западную технику живописи с традиционными японскими мотивами. Почти во всех картинах Минако присутствуют символы ее личной мифологии. Легко можно заметить, что она часто вставляет круг в свои композиции. Круг для художницы — это образ, который является некой тайной: в изображении круга начало линии одновременно является ее концом.
В дзен-буддизме, жизнь человека является совокупностью начала и окончания, которое, по сути, вечность. Многие из картин Минако содержат японские символику и мотивы. Она не ограничивает себя в их использовании. В основном, художница пишет то, что ей близко в данный момент. Она использует картины в качестве инструмента для самоанализа. Минако Ота считает, что искусство — очень влиятельное средство. Благодаря ему, можно добраться до сердец и умов людей и вдохновить их на свершение.
Кейко Кобаяси
Кейко Кобаяси родилась и жила в городе Сидзуока у подножия великолепной горы Фудзи. С детства Кейко занималась живописью. В 18 лет она переехала в Токио, чтобы изучать педагогику в Токийском университете. Благодаря знакомству с художниками-выпускниками Университета искусств «Мусасино», Кобаяси увлеклась ксилографией и керамикой. В 1993 году она приехала в Россию изучать русский язык. Параллельно занималась офортом в Доме творчества художников СЕНЕЖ у известного мастера Натальи Заровной.
Сегодня Кейко Кобаяси стремится понять и почувствовать своего зрителя, что вполне отвечает мироощущению дзен-буддизма – «Красота в глазах смотрящего». Она предлагает взглянуть на окружающее нас пространство как на множество удивительным образом структурированных фрагментов жизни, которые составляют окружающую нас живую и неживую материю.
На выставке представлены работы Кейко Кобаяси из нескольких циклов: «55х55х55», «Земные путницы», «Ностальгия», «Когда я жила в Токио», «Infinity – бесконечный горизонт». В каждой из работ запечатлелись моменты внутренних переживаний художницы, моменты светлой грусти, ностальгии и сопереживания.